​laurent dauptain     ​

"LAURENT DAUPTAIN,LE SUJET N'EST PAS LE SUJET"

(EDITIONS LELIVREDART 2025)

 

Le sujet n’est pas le sujet C’est ainsi que j’avais sous-titré l’exposition sur le thème des fleurs que j’ai présentée l’été 2022 au musée de Salagon, à laquelle j’avais invité le peintre, Laurent Dauptain, qui a présenté pour celle-ci trois petites toiles de fleurs inversées surplombant trois autoportraits de l’artiste. L’autoportrait n’étant également pas, à mon avis, le sujet de l’œuvre de Dauptain alors qu’il s’y applique depuis le début… Ce ne sont pas des portraits mais des têtes, disait Eugène Leroy de ses propres autoportraits, c’est-à-dire une chose peinte qui se pose là non comme une vérité révélant l’identité de l’artiste, mais bien comme ce qui lui échappe devant l’inquiétante étrangeté qu’elle suscite, comme une chose que nous poursuivons de notre question : qu’est-ce qu’être ? qu’est-ce que l’Être ? Curieux que nous sommes devant le globe de l’œil, le trou de la bouche, le dessin baroque de l’oreille, la tension de la tempe, etc.

 

Là devant nous, en effet, est-ce le peintre ou la peinture qui nous regarde, qui nous questionne par le doute qu’elle produit en cet échange ? Alors, il nous faudrait comprendre, regarder ce qui se passe dans le parcours même de cette œuvre, et là, quand le visage et la fleur, pareillement peints, se confrontent à leur mise en miroir… Serait-ce ce chemin poétique ou bien plutôt et dans le même mouvement, un chemin d’élucidation auquel nous conduit cette peinture qui demanderait à être regardée plutôt deux fois qu’une ? Non par ce qui serait là, l’évanescence d’une disparition progressive, mais plutôt l’insistance, dans la lourdeur de la touche même, à interroger ce que veut dire toute présence, quand, embarrassée de soi, elle s’intensifie comme pour échapper à sa singularité, par ce qui n’est plus un autoportrait car peu importe alors le visage réel, quand ce qui semble intéresser l’artiste est de s’oublier, de se perdre, de se fondre dans la matière même de la peinture. Dialectique difficile entre apparition et disparition, entre lumière et ombre, entre vie et mort, entre soi et l’autre, entre fini et infini… dialectique philosophique ou entre-deux intime, dont l’œuvre devient le temps d’une vie, à se reposer encore et encore la question jusqu’à l’inverser par dés-identification, la question serait-elle alors celle ici de notre présence au monde ? Ou comment cette pensée est celle de la peinture elle-même qui, ce faisant, défait ses contradictions, reposant la question de la peinture en se posant la question : comment ça pense ?

 

Comment être peintre aujourd’hui alors que tout semble déjà avoir été remis en cause par les avant-gardes successives de ce xxe siècle… reprendre ses pinceaux, se dire, se vivre peintre, reprendre la longue tradition de la peinture, depuis les empreintes dans les grottes préhistoriques, pour tenter de continuer ce qui fut interrompu, bouleversé, contesté, malmené, mais aussi ravivé, repensé, dépassé, comment penser ce temps présent accéléré, bourré à craquer d’événements, d’informations, d’images, de mots, de violences…

 

Comment supporter cette agitation frénétique qui nous soumet, nous épuise, nous étourdit, nous dilue, nous effiloche, nous vide ?! La peinture serait pour Laurent Dauptain un arrêt brusque sur image en ce film trépidant de notre vie, nous isolant ainsi du reste du monde, nous saisissant par l’expérience tragique d’un accident dans le tissu serré de cette course affolée. Ses portraits sont, ne sont pas une simple et répétitive représentation de lui-même mais celle de son propre aveuglement et de sa propre interrogation sur l’isolement de l’être au monde, saisi en plein délit d’indifférence, d’inutilité, de vacuité, nous abandonnant ainsi à nos terreurs : faire face est bien ce qu’il demande à la peinture, cette irruption insupportable d’une présence oubliée, niée, qui par ses portraits ferait soudain effraction dans la conscience de son inexistence inconvenante, cette mise à nu, et insistante d’œuvre en œuvre, insistance par laquelle nous réalisons la trace indélébile que nous secrétons en vivant, immobilisés ainsi, pris dans les rets de la peinture, ces autoportraits nous épinglent, car nous y ressentons non le désir d’apparaître et de paraître, mais au contraire celui de disparaître et de nous effacer : de même que la rougeur au visage du timide vient le dévoiler dans cette vive émotion qui l’embarrasse et l’enfonce plus encore dans la peur d’être surpris et découvert. Ce n’est pas l’angoisse de mort qui transpire ici, mais bien la révélation terrifiante de notre trop-plein de vie que nous nous évertuons à atténuer en contraignant notre corps à l’héroïsme du stress. Nous nous lançons à corps perdu dans l’exagération et l’affolement d’une surconsommation à laquelle nous sommes impérativement conviés, qui trouve écho en cette peur fondamentale de vivre. Telle est la tension sans intensité à laquelle nous soumettons notre corps, l’exténuant par l’impératif du bien être et de l’hédonisme, du libidinal et du ludique, ballottés dans l’agitation paranoïde et la dépression schizoïde.

 

Douce euphorie placée sous le culte d’un corps exhibé d’où sourd ce qu’elle refoule : la maladie, le vieillissement et la mort. L’obscénité actuelle consiste en cette discipline de l’hypervisibilité, cette carence d’ombre sur notre corps fragilisé. Mais accepterons-nous de parler d’aliénation, de dépendance, d’angoisse, d’affolement à propos de ce qui s’énonce comme l’absolue liberté individuelle ? De consommation paroxyste, anxieuse, répétitive, obsessionnelle, en ce que nous nous appliquons à revendiquer comme droit au plaisir, au bonheur ? En effet, une nouvelle culpabilité nous oppresse, liée à cet excès d’être, au contentement indécent de ce corps, non plus parce que la morale chrétienne continuerait à nous réprimer, mais bien parce que ce corps sauvage subsiste malgré nous et par ce qu’il persiste encore et toujours à produire d’odeurs, de sudation, de graisse, de poils, d’excroissances, de rides, de douleurs, de sécrétions, de sang, d’urine, de pleurs, de cris… par ce qu’il imprime partout de traces, d’empreintes, de taches, de marques… Ce qui est devenu indécent n’est plus de paraître nu mais de laisser échapper ce qu’il faut réprimer : l’expression de nos sensations et de nos émotions les plus intenses : les limites de l’acceptable et de l’inacceptable se sont déplacées et nous enserrent dans un paradoxe impossible : point de salut en dehors du corps, mais une apesanteur irréelle à l’intérieur : il ne nous reste plus que la peau sur les os…

 

La pulsion créative serait cette résistance du corps à la disparition, à la réification, elle est cette certitude que le geste de l’artiste va donner sens et nous faire échapper à la chute, par les tracés qu’elle produit se constituent autant d’images possibles de notre corps, car point de corps sans tracés, sans dit, sans cri ! Faire face à la limite, transfigurer avec toute l’énergie propre au défi, dans l’arbitraire, dans le métaphorique, dans l’hypothétique ainsi que le réalise l’art, tel est le sens excessif de cette nécessité ; ainsi Rustin écrivait : « Ces corps que je peins, je les caresse et je les travaille jusqu’au moment où je suis moi même fasciné par leur présence sur la toile, présence que toute la beauté de la peinture doit concourir à porter à son maximum d’efficacité. » Ce serait à cette présence de son propre corps dans la peinture que Laurent Dauptain, à la suite de très grands peintres tels que Rembrandt, Van Gogh, Picasso, réinvestit tout au long de son œuvre par cet

exercice récurrent de l’autoportrait, marquant ainsi son inscription dans cette question : non qui suis-je ? mais que suis-je ? par la succession tout au long de sa propre vie dans son œuvre de cette longue transformation de son corps par la vieillesse s’acheminant vers la mort, car dans et par ce déroulé temporel, définir ainsi l’espace même de sa peinture comme appartenant à la longue histoire de l’art, par la puissante inscription d’un témoignage artistique intense par lequel il affirme être et rester peintre, un peintre d’aujourd’hui, qui ne signifie pas comme on l’entend dans les salons mondains d’un retour à la peinture, mais avec la conscience que l’art appartient à cette histoire et d’apporter son propre questionnement à cette aventure proprement humaine en mettant en scène sa propre image qui lui permet d’exprimer quelques fois avec violence ou avec douceur, par petits et grands formats, de la manière la plus directe qu’il lui est possible, les sentiments et désirs conscients ou inconscients qui l’habitent et qu’il ne saurait traduire autrement que par la présence tout au long de son œuvre de ses portraits peints.

 

Évelyne Artaud, mars 2024